Exposiciones

#PAROGLOBALINDEFINIDO

#PAROGLOBALINDEFINIDO

En 1972 el Informe Meadows encargado al MIT sobre los límites al crecimiento advertía que es inviable una economía que crezca sin considerar los límites físicos del planeta. Luego de 50 años, y más de 30 informes del Panel Intergubernamental del Cambio Climático (IPCC) sobre el calentamiento global, con un hiper capitalismo globalizado que se basa en mecanismos de extracción y apropiación de tierra, agua, energía, animales, minerales y explotación de trabajo humano, el panorama se ha agudizado y no existe marcha atrás. Vivimos en una crisis ecosocial. Crisis interconectadas que requieren cambios estructurales de la civilización que parece permanecer inadvertida al no ser consciente de la misma.

¿Desde qué lugar nos enunciamos? Desde abajo y a la izquierda, observamos que las crisis energéticas derivan en crisis climáticas, crisis de los sistemas de alimentos, crisis de agua, crisis migratorias, crisis sanitarias, y crisis económicas. El 99% de la extracción y apropiación de los recursos es originario de países del sur global, lo cual motiva a que se sigan manteniendo prácticas coloniales, guerras, desposesiones y violencias, profundizando las desigualdades. Esta cultura de extracción, subordinación y centralización del poder, establece fronteras internas y externas que separan a quienes están dentro de quienes son población sobrante. En este contexto, los minerales -materia prima- que se extraen del sur global pueden ingresar, pero las personas ciudadanas migrantes no.

Partidos de derecha y varios socialdemócratas han sido siempre negacionistas de todo esto, su pensamiento está determinado por el mayor beneficio económico que se puede generar en una parte de la población. Bajo este pensamiento, para que todas tengamos una vida material como la media de estas personas, al 2022 se necesitarían al menos 1,7 planetas, según el informe de la WWF.[1] No es desconocido que nos encontramos ante la sexta y más rápida extinción masiva de la historia, y la primera causada por una especie, la humana. Cuando hablamos de justicia ecosocial, como un territorio donde se garantizan condiciones de vida dignas para todxs, es imprescindible que en aquellos lugares donde se utilizan más recursos de los que existen (países del norte), se deban cambiar los modelos de vida de forma radical.

Gráfico de la huella ecológica por país en el 2023. Tomado de Global footprint Network.

Desde este panorama que no tiene intenciones globales de detenerse, y que no le hace justicia a la vida en su diversidad, el Centro de Arte Contemporáneo de Quito (CAC) ha venido investigando a través de las artes contemporáneas, y en los recientes años con exposiciones como Overground Resistance, Raíz, IRURU MUYU | PERÍMETRO | UMFANG. Durante el 2023, las preocupaciones derivadas de las crisis medioambientales siguen motivando las líneas de acción del CAC y en el periodo que asumí la Responsabilidad del área de Exposiciones y Programas Públicos, quizás fueron más cercanas a las reflexiones de Yayo Herrera; dejar de pensar en modelos sustentables y apostar por modelos de vida resilientes que planteen formas de organizar la vida en común, por sistemas sanitarios que protejan la biodiversidad y una radical conciencia de interdependencia. Lo público es colectivo, dice Yayo. Y desde el pensar colectivamente, es posible organizar las ciudades, así como configurar los cuidados.[2]

Cuando fui parte del equipo del CAC y bajo estos planteamientos, tuve valiosos encuentros con el curador Pedro Soler, quien tiene una amplia trayectoria participando como curador y director artístico en numerosas iniciativas relacionadas con la multimedia, el arte contemporáneo, los feminismos y la cultura libre. Su trabajo se centra en la creación de espacios para la experimentación y el intercambio y se ha movido desde festivales hasta centros de producción, desde espacios de laboratorio hasta galerías alternativas e instituciones culturales de países como España, Egipto, Canadá, Colombia, México y Ecuador.

Pedro Soler tiene un amplio conocimiento alrededor de las preocupaciones derivadas de las crisis medioambientales, y a través de sus experiencias e interrelaciones, supo escuchar y traducir nuestras voces -ya casi extintas por el antropoceno- para diseñar y conceptualizar la exposición ¨Humano, Demasiado Humano¨ que fue inaugurada el 23 de junio de 2023 en las galerías altas del Centro de Arte Contemporáneo de Quito.

Afiche oficial cortesía del Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Fotografía por Mateo Barriga 2023.

Humano, Demasiado Humano

Humano, Demasiado Humano es una exposición que busca generar cuestionamientos y reflexiones acerca de la separación entre lo humano, el no-humano, y sus afectaciones en los territorios, haciendo énfasis en prácticas artísticas e investigaciones sobre las formas de superar esta separación y confrontar el hecho de que el planeta está en medio de la sexta – y más rápida – extinción masiva de la historia.

En Humano, Demasiado Humano se exponen obras de Jorge Barco (COL), Tania Candiani (MX), Jeisson Castillo (COL), Chakala (ECU), Felipe Jácome Reyes (ECU) que invitan a prestar atención a los mundos otros-que-humanos; animales, vegetales, minerales, sus silencios, resonancias, susurros y aullidos, y a explorar los contornos de un devenir en común o la memoria de su fracaso.

Mapa oficial de la exposición Humano, Demasiado Humano.

La exposición fue diseñada para ocupar los pasillos y las salas de las galerías altas del CAC, en este sentido cada artista habita con su propuesta una sala independiente. Sin embargo, el recorrido por toda la exposición propone una acción performática que fluye en la intersección de las cinco instalaciones que, en un acto de resiliencia, insiste en imaginar el mundo sin la cabeza humana, dejando de pensar de forma racional y dando cabida al plano de consciencia del no-humano.

El no-humano

Cuando hablamos del no-humano nos referimos a todas aquellas especies orgánicas e inorgánicas que no son consideradas dentro de la especie humana y tampoco han sido atravesadas por la mano humana como: animales, plantas, hongos y bacterias no domesticados junto a seres carentes de vida como rocas, minerales, agua, viento o magma no antropizados. Pero ¿por qué surgió la división entre el humano y el no-humano, de qué manera afecta a nuestro modo de entender la realidad y por qué es importante abordarlo desde el arte contemporáneo?

En los textos Antropología de la naturaleza y Construyendo naturalezas. Ecología simbólica y práctica social, Philippe Descola menciona que si bien no está claro en qué momento se generó esta separación, si es posible mencionar brevemente a Platón, Aristóteles, Descartes, Galileo Galilei, Darwin, Adam Smith, y demás científicos y filósofos occidentales, quienes sentaron las bases de lo que sería lo natural y lo social. La tradición judeocristiana en occidente, reforzó la noción bíblica de ubicar al humano en la cúspide de la jerarquía natural para dominar al resto de animales.[3] Lo cierto es que, la cultura occidental afirma desde la ciencia y la economía que la naturaleza puede ser controlada desde las leyes matemáticas. En consecuencia, la economía desarrolló una perspectiva en la que la naturaleza debe ser subyugada, controlada en todos sus aspectos, para ser aprovechable socialmente.

Conicidiendo con las interpretaciones de Eric Hobsbawn en La era del Imperio 1875-1914 donde, probablemente Darwin no dimensionó las consecuencias xenófobas que iban a tener las interpretaciones de su teoría, desde las cuales, diversos movimientos han sostenido la superioridad de un grupo de seres sobre el resto. En la actualidad, los ejemplos son suficientes para evidenciar que estas prácticas siguen replicándose por el humano y llevando a las especies a la sexta extinción.[4] No es actual que, desde las prácticas artísticas contemporáneas también se aborden estas preocupaciones, y desde este campo se motiven reflexiones sobre la peligrosidad de estas ideas de evolucionismo cultural. De ahí que, en Humano, Demasiado Humano, se toma una postura subversiva y crítica de estas teorías que siguen manteniendo prácticas injustas sobre las diversas formas de vida, y se propician debates a través de las estéticas contemporáneas.

Fotografía de Mateo Barriga 2023

Tener una cabeza es algo que los humanos tienen en común con millones de otras especies, pero su cabeza particular está provocando la extinción de todas las otras.

En 1878, Nietzsche se preguntó qué quedaría del mundo si fuera posible seccionar la cabeza humana y experimentar el mundo sin ella. Hoy, la pregunta es más bien, que quedará del mundo si no se la seccionase.

Esta exposición es una invitación a someterse a la guillotina, un cuchillo afilado para perder la cabeza y dejar florecer una multiplicidad de mundos.

Sin duda, todo es demasiado humano. Pero, en un instante o en un millón de años, todo puede cambiar.[5]

Texto curatorial

Estoy en un camión con mucha gente en camino a la manifestación contra el presidente y su terrible régimen que están hundiendo el país en pobreza y violencia. Los jóvenes están en el techo gritando “¡Fuera Lasso!” mientras que el camión circula a toda velocidad por las calles abandonadas. En una parada, 2 jóvenes suben al camión: uno tiene un cuerno, que rápidamente llega a las manos de los jóvenes arriba quienes lo hacen sonar con mucho entusiasmo, y el otro tiene un libro. No es común ver gente leer en público y aún menos en medio de un paro nacional. Curioso, miro de reojo al título, es “Humano, Demasiado Humano” de Friedrich Nietzsche.

El país entero fue paralizado durante 18 días, en junio de 2022, hasta que se establecieron mesas de negociación con el gobierno para tratar los 10 puntos de las demandas de las organizaciones indígenas, y se levantó el paro. Uno de los puntos era una moratoria sobre la expansión de la frontera extractivista: petróleo y minería. Otro, la focalización de los subsidios para combustibles. Pero casi nadie, salvo un grupo de mujeres amazónicas, habló de la necesidad de iniciar la transición energética. A pesar de eso se hicieron escuchar las voces de los territorios más afectados por los impactos devastadores del extractivismo que hacen imposible la subsistencia en ellos.

En sus reflexiones sobre la metafísica en “Humano, Demasiado Humano”, Nietzsche observa que los humanos filtran todo a través de su cabeza – Menschenkopf – y se pregunta qué quedaría del mundo si se pudiese seccionar. La verdad o no de la metafísica, prosigue Nietzsche, es más irrelevante “que el conocimiento del análisis químico del agua para el navegante acosado por la tempestad” y así es hoy en día con la imposibilidad de traducir el conocimiento exhaustivo y en tiempo real del colapso medioambiental en un cambio de modelo socio-económico. Si, efectivamente, todo es demasiado humano y no hay lugar para nada más.

“La economía capitalista es un discurso antropocéntrico que es incapaz de tomar en cuenta precisamente lo que el pensamiento y la política ecológica requieren: seres no-humanos y escalas de tiempo inusuales.” [6]

Perder la cabeza, eliminar el cerebro-centrismo. La inteligencia no requiere un cerebro, mirad las plantas, sin sistema nervioso pero con sentidos, memoria, comunicación, intención y la capacidad de tomar decisiones. La inteligencia vegetal es inteligencia sin cerebro. ¿Cuantas más formas de inteligencia hay? Cortar el Menschenkopf y reemplazarlo por una cabeza animal, mineral, vegetal. Interespecies, visiones múltiples, cosmopolítica de territorios.

En los pueblos de la Amazonía, herederos de una coexistencia con la selva desarrollada durante milenios, podemos percibir las formas de organización espiritual y social que surgen orgánicamente de esta diversidad e interdependencia. Los seres de las pinturas de Jeisson Castillo (Colombia) viven simultáneamente en múltiples mundos, son cosmopóliticos, compartiendo y organizando territorios, marcando límites, exigiendo respeto y nobleza, manteniendo el equilibrio. Basado en sus viajes por Colombia, particularmente por el río Caquetá en la Amazonia, y los permisos acordados gracias a sus maneras suaves y respetuosos, su trabajo es transmisión de conocimiento ancestral vital y un atisbo de otro orden posible. Castillo lo cuenta así:

“El orden y equilibro los lleva a entrar en relación con los dueños del trueno, de las nubes, del aire, de la atmósfera, del sol, de la lluvia, de las aguas del mundo, de los salados, cananguchales y pepeaderos de aves y animales de monte, con los huecos, remolinos y raudales de los animales del agua, con los ancestros y sus malocas encantadas, con los cerros, tepuyes que resguardan secretos, curaciones e informaciones del cuidado del mundo y de nuestra relación con el cosmos… Nos recuerda las órdenes y reglas de los territorios para su armonía y pervivencia.”

Cuando la sexualidad sale del antropocentrismo se vuelve un puente con el no-humano y nacen criaturas híbridas y monstruosas, como les miles de hijes de Lilith en el desierto. La ecosexualidad considera la Tierra como amante en lugar de madre, una relación basada en atención, éxtasis e identificación. Chaki Weed Slut hace el amor con una planta (dendrofilia) y las semillas caen dentro de ella y de alguna manera logran crecer. Ella se enraíza como una versión vegetal de La Maja – el cuadro icónico de Goya y primer imagen pornográfico de la modernidad – o una versión terrestre de Alysia, la babosa del mar Atlántico que consume algas, mantiene el clorofila en su cuerpo y logra vivir del fotosíntesis. Con raíz punk y obrera, Chakala (Ecuador) siempre ha odiado el trabajo que destroza en vano nuestros cuerpos y roba nuestros días. Su transformación monstruosa en una planta es la negación de la inexorable aceleración. El plantón de resistencia. El paro global indefinido frente al inevitable colapso planetario de la economía fósil.

Las escalas de tiempo incomprensibles al capitalismo son exploradas por Felipe Jácome Reyes (Ecuador) en los fósiles que esculpe en piedras amorosamente escogidas, mezclando artefactos con criaturas, tiempo profundo con el ahora. Es como estar dos millones de años en el futuro y viendo el registro fósil de la Sexta Extinción con sus redes de pescar, herramientas y interruptores de luz y al mismo tiempo el registro de la primera extinción cuando se calentó demasiado el mar y eliminó por completo los trilobites, hace 250 millones de años o los dinosaurios hace 66 millones de años. Además de los fósiles, Jácome Reyes ha creado una serie de seres mecánicos preservados en ámbar (resina de algarroba fosilizada), que dan testimonio al desesperado y fracasado intento de salvar la agricultura del colapso, reemplazando los insectos polinizadores y otros actores ecosistémicos que se habían extinguido, con máquinas.

Viendo la Sexta Extinción desde tan lejos, como un evento de transición a otro estado del planeta, lo pone en perspectiva con las otras 5 extinciones en la historia planetaria, pero también llama la atención a su radical diferencia: esta extinción es cultural y mucho más rápida que cualquiera anterior, incluso comparada con el meteorito que eliminó a los dinosaurios. En el timeline de los últimos 450 millones de años que Jácome Reyes dibujó en la pared, la marca de la Sexta Extinción es mucho más delgada que las otras. Esta línea, y los gráficos de indicadores medioambientales que lo acompañan, están dibujados con grafito, trazo mineral ancestral y efímero, elegía para una pérdida inimaginable.

En “Geomancias”, Jorge Barco (Colombia) crea un laberinto de artefactos sonoros que nos invita a la escucha profunda de la tierra, los minerales, los elementos y el cosmos. Sus máquinas son traductoras de frecuencias e invocadoras de otros mundos y tiempos, con algo de “steampunk”, tecnología victoriana de un universo paralelo, o el laboratorio de una alquimista. El agua y el oro vinieron a la tierra en meteoritos, bolas de hielo sibilantes y vaporosas al principio de los tiempos. En las formas que toma el agua con las ondas vibratorias, en la lava del volcán, la caída del meteorito, está presente la memoria de los orígenes cósmicos de este breve instante animal, tan lleno de deseo e infinitamente precioso.

“Para los animales” de Tania Candiani (México), un tríptico de video con sonido espacializado, es un viaje caleidoscópico por las relaciones entre humanos, animales y territorios. El proyecto empezó con una roca en forma de oreja en el desierto de Sonora (frontera entre México y Estados Unidos) donde explora el sonido como forma de comunicación inter-especies y elemental. Entre muchas cosas, ya que cada vez que se mira la obra surgen nuevas comprensiones, el espacio sonoro vibratorio lacerado por la voz de un poema, arroja nuevos conocimientos y realizaciones. Sus evocaciones de relaciones no-humanas y escalas de tiempo inusuales, de geologías y tecnologías y la orquesta planetaria, apuntan al más-que-humano, no al demasiado, y al pensamiento ecológico.

El trabajo de Candiani es casi siempre colaborativo y site-specific y en esta pieza invita a numerosos colaboradores, incluyendo a lobos grises, coatíes, javelinas, lobos, ocelotes, zorros y coyotes, cada especie capaz de captar frecuencias distintas, además de un grupo de artistas sonoros humanos a quien les pidió componer arrullos para los animales. Candiani lo explica así:

“Quisiera poder aprender a pensar de maneras menos antropocéntricas y mucho más amplias y en dónde se considera a todo lo que habita la tierra y el cosmos como un ser. Hay un concepto que me parece hermoso que se llama umwelt, que significa ‘sentir como el otro’. Eso precisamente quiere decir que tú tratas de entender cómo percibe el otro y de esa manera puedes conectar con él. No me refiero solamente a cómo escuchar y percibir a otras especies animales, sino también cómo percibir a la tierra. Así que de eso se trata”.

Y de eso se trata también esta exposición, una invitación a perder la cabeza y dejar florecer una multiplicidad de mundos.

Pedro Soler, Cayambe, 150523

Pedro Soler curador de la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
Pedro Soler curador de la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.

La exposición y su programa de actividades

Humano, Demasiado Humano se diseñó tomando en cuenta factores importantes del CAC relacionados con sus enfoques y su posicionamiento como institución pública cultural. En este sentido, y desde una perspectiva intercultural, la necesidad de contar con una participación de artistas de diversas identidades y nacionalidades fue necesario, además de motivar la intersección de sus narrativas desde un devenir en común y un abordaje regional.

La muestra fue diseñada para un área específica en el CAC y con una importante presencia de obras sonoras y audiovisuales, obras electrónicas, así como pinturas y esculturas. Si se planteara un recorrido tal como sucedió en la inauguración de la muestra, guiada por el curador y los artistas, se podría determinar que la exposición presenta tres ambientes museográficos sonoros que no se interrumpen entre sí y que son introducidos a partir de la cita de Nietzsche escrita en tres idiomas: alemán, español y kichwa:

Wir sehen alle Dinge durch den Menschenkopf an und können diesen Kopf nicht abschneiden; während doch die Frage übrig bleibt, was von der Welt noch da wäre, wenn man ihn doch abgeschnitten hätte.

Consideramos todas las cosas con la cabeza humana y no podemos cortar esta cabeza; sigue sin embargo en pie la pregunta de qué quedaría del mundo si se la seccionase.

Tukuyta runa humawan yuyakunchik shinapash mana kuchuyta ushanchik. Shinapash katik tapuywan katinchik humata kuchukpika kutin imashinashi kawsanchikman.[7]

Empezando por el costado sur de la exhibición, se encuentran las pinturas de Cosmopóliticas de Jeisson Castillo y la obra audiovisual de ecosex Chaki Weed Slut de Chakala. Ambas obras buscaban introducir al visitante en un mundo que reflexiona sobre la interrelación de todas las formas de vida y explora las posibilidades de diálogos íntimos y cuidados entre lo humano y lo no-humano.

La sala que expone las obras de Jeisson Castillo presenta 34 pinturas al óleo e impresiones digitales que pueden ser leídas en tres grupos. El primer grupo remite a los seres, dueños espirituales, que cuidan las diferentes formas de vida. El segundo grupo, a los tiempos de conectar y las formas de comunicación con los dueños espirituales. El tercer grupo, rinde un tributo a todos los seres de la naturaleza, sobre todo a los sabedores y sabedoras que mantienen las tradiciones vivas y las comparten al mundo como alternativas para un buen vivir, en palabras del artista: un vivir sabroso.

Jeisson Castillo artista de la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
Cosmopolíticas de Jeisson Castillo. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.

Antes de ingresar a la sala que expone la obra Chaki Weed Slut, Chakala invita a quitarse la cabeza, hace referencia al texto de inicio de la exposición y a la capacidad de mirar sin prejuicios humanos y escuchar sin juzgar. En Chaki Weed Slut se presenta un video monocanal y la frase «PARO GLOBAL INDEFINIDO” pintada en la pared de la sala y en la fachada principal del CAC. Como parte de la inauguración se realizó un performance que personifica la transformación que sucedió -en forma metafórica- tras la relación ecosexual interespecie con una planta. Chaki Weed Slut invita a reflexionar sobre varios conceptos: la irracionalidad del capitalismo, la trampa del desarrollo, el progreso humano, la producción, el trabajo y el tiempo libre. Chakala quiere salir del antropocentrismo y se enraíza como una versión vegetal, que -finalmente- no tiene que trabajar. Esta obra es una critica al trabajo capitalista y a sus múltiples prácticas violentas, por lo que me remite a recordar las frases de Victor Vich en un ensayo Sobre el control del tiempo: hoy no solo trabajamos mucho (y lo cierto es que siempre se quiere que trabajemos más) sino que el trabajo continúa siendo profundamente injusto.[8] Por estas reflexiones y las posibilidades que se pueden llegar a imaginar, ha sido acertada que Chaki Weed Slut sea la portada de la exposición Humano, Demasiado Humano.

Chaki Weed Slut de Chakala. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
Performance de Chakala en la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.

Continuando el recorrido, en la capilla, la sala que se ubica en la mitad de la exposición, se puede encontrar la obra Para los animales de Tania Candiani. Una obra producida en el 2020que ha sido expuesta en otros espacios expositivos y que para esta ocasión ha sido diseñada y adaptada específicamente para el espacio que habita en el CAC, utiliza un sistema de sonido 7.1, una pantalla de 8m de longitud, tres Raspberry Pi y programación de código abierto que estimulan la contemplación y escucha de mundos con los que el humano no es capaz de entender ni convivir. “Pobre rango de audición humana” es una de las frases de la obra que me hace reflexionar sobre los límites en los que el humano concibe las interrelaciones con otras formas de vida y sobre los cuales, inconsciente de sus limitaciones, pretende ejercer control. Así también, esta obra muestra en una escala amplia de frecuencias las posibilidades de pensamiento que van más allá de las antropocéntricas. Candiani nos introduce a un concepto hermoso que se llama umwelt, que significa ‘sentir como el otro’, no solamente a cómo escuchar y percibir a otras especies animales, sino también cómo percibir a la tierra.

Montaje de Para los Animales de Tania Candiani.
Para los Animales de Tania Candiani. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.

Hacia el costado norte de las salas se encuentran las esculturas en piedra, mecanismos en resina y dibujos de La Sexta Extinción de Felipe Jácome Reyes y las esculturas cinéticas sonoras, bordado, circuitos y dispositivos amplificados de Geomancias de Jorge Barco. Obras que desde la memoria y el sonido evidencian las interrelaciones de fósiles minerales con el mundo humano.

La Sexta Extinción nos sitúa a 1.2 millones de años en el futuro, en un ejercicio de representación de una sala de un museo de historia natural. Por un lado, nos presenta once esculturas de piedra, como si fuera un exhaustivo registro fósil que se presenta luego de la Sexta Extinción, cuando desaparecieron la gran mayoría de especies del planeta. A estas esculturas, las acompañan seis dibujos a lápiz que visualizan: los seis eventos de extinciones masivas, qué industrias extinguieron a las especies, la tasa de despoblación de animales silvestres por continente, el uso de la tierra según las diversas dietas, las causas de la desaparición de los insectos, y los países con el más alto número de especies amenazadas.

En esta sala, se expone un gráfico de la Multinacional Petrolera Norteamericana ExxonMobil, de una observación realizada por ellos en 1984 de los impactos de las emisiones de dióxido de carbono producto de su actividad extractiva en los territorios, y donde los resultados concluían en el aumento exponencial de las temperaturas que alteraron todos los ecosistemas. “Como en la Tercera Extinción, altas concentraciones de CO2 y CH4 en la atmósfera provocaron el rápido calentamiento del planeta y la acidificación de los océanos”. Ellos lo sabían pero no les importó.

Felipe Jácome Reyes artista de la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
La Sexta Extinción de Felipe Jácome Reyes. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
La Sexta Extinción de Felipe Jácome Reyes.

Finalmente, en La Sexta Extinción también se exponen seis esculturas en resina que ponen en relevancia la desaparición de los insectos en este último evento de extinción masiva lo cual afectó la capacidad de reproducción de las plantas de la época. Estas esculturas nos dan una idea del intento desesperado y fallido de reemplazar los insectos, y otros actores eco-sistémicos, con máquinas.

Felipe Jácome Reyes nos presenta una sala con contenido muy potente y crítico sobre el modelo actual de desarrollo bajo el cual depende la vida humana. Aunque desalentador, es tan fascinante como las demás obras de los artistas, poniendo en valor las otras formas de vida no-humanas que logran emerger y establecerse después de cada extinción. “Todo está vivo y nada está muerto”

En Geomancias, Jorge Barco activa cinco esculturas sonoras de medidas mixtas que juntas orquestan un concierto-red que explora las fuerzas vibratorias de la naturaleza. Geomancias utiliza dispositivos tecnológicos y circuitos para amplificar a través del sonido, lo orgánico y lo cósmico de los lugares que albergan fuertes energías, resonancias y espíritus en los territorios de Colombia, España, Portugal y Ecuador.

Jorge Barco ha construido sus obras a partir de derivas como si fuese un proceso-ritual dentro de un laboratorio de experimentación, donde el paisaje sonoro, la cartografía sonora, la ecología acústica, la escucha profunda, la biología, electromagnetismo, y el ruido son procesados con la tecnología de código abierto. La vibración del agua, el viento, las piedras y las señales electromagnéticas del paisaje, fueron registradas a través del dispositivo Magma, un hidrófono y micrófono DIY para la grabación y procesamiento de los sonidos de la naturaleza. En Geomancias, se pueden encontrar con sonidos que son reproducidos por una máquina que dibuja con péndulos de piedras inspirada en los harmonógrafos olvidados del siglo XIX; un bordado conductivo de los volcanes y páramos del Eje Cafetero; grabaciones de campo y procesos electroacústicos en vivo; las vibraciones del agua, el viento y el paisaje electromagnético; un arpa de viento.

Geomancias de Jorge Barco. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
Performance Geomancias de Jorge Barco. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.
Jorge Barco artista de la exposición. Cortesía del Centro de Arte Contemporáneo, Pablo Jijón.

Jorge Barconos propone el sonido y la escucha como una metodología clave para abordar desde una perspectiva biocéntrica, fenómenos y elementos no-humanos; las rocas y el tiempo profundo de los minerales, la microperfomatividad de las bacterias y las plantas, el agua con sus flujos y memorias, el viento y el electromagnetismo como puertos de comunicación e integración entre lo cósmico y lo humano, que permiten abordar los cambios atmosféricos ligados al calentamiento global.

A la exposición Humano, Demasiado Humano le acompaña un programa de actividades que empezó con Rumi, Inti, Panti (Minerales, sol y cosmos), el 21 de junio, una visita a Mullumica, en el páramo cerca de Quito. En este lugar se encuentra el flujo más grande de obsidiana del Ecuador que se formó hace unos 170,000 años, un abrir y cerrar de ojos en tiempos geológicos pero ancestral para las generaciones de habitantes de este territorio que viajaron para extraer el valioso material y se alojaron en cuevas en la montaña. La Obsidiana de Mullumica ha sido encontrada en toda la costa del Ecuador, testimonio de los circuitos de intercambio entre los pisos ecológicos que han existido desde tiempos inmemoriales.

Caminata a Mullumica. Cortesía de Mateo Barriga
Caminata a Mullumica. Cortesía de Mateo Barriga
Obsidiana de Mullumica. Cortesía de Mateo Barriga

El CAC, con el arqueólogo Andrés Mosquera (Ecuador) del Instituto Metropolitano de Patrimonio, organizó una excursión comentada a Mullumica en compañía de los artistas Chakala, Felipe Jácome Reyes, Jeisson Castillo y Jorge Barco para observar la sombra del sol del Solsticio, los minerales del entorno y la presencia efímera humana. La primera conexión, las rocas de nuestro planeta, sus fuerzas interiores, y escalas de tiempo inusuales.

El 23 de junio, en el día de la inauguración, la temática mineral continuó con dos performances en vivo: el primero de la instalación de Jorge Barco (Colombia) “Geomancias” – donde el artista activó su instalación en la exposición, tocando los artefactos, revelando sus intricacidades, y el segundo el performance sonoro “Acasta Gneiss” de Jose Rafael Subía Valdez (Ecuador), compositor electroacústico, inspirado en las esculturas en piedra de Felipe Jácome Reyes y en el fragmento de la corteza terrestre intacto más antiguo que se conoce, con 4000 millones de años, y que da su nombre a la pieza.

Acasta Gneiss performance sonoro de José Rafael Subía Valdez.

Jorge Barco ofreció un Taller de Arte Sonoro y Escucha Profunda el 25 de junio. En esta actividad les participantes descubrieron un nuevo mundo de sonido y percepción y experimentaron con el micrófono de contacto MAGMA, un microscopio para la oreja, el cúal ha servido a un amplio grupo de artistas de diferentes lugares del mundo para realizar grabaciones de campo de diferentes fenómenos geológicos, y con las cuales se preparó un primer compilado de grabaciones titulado Materia Vibrante.

Materia Vibrante taller de arte sonoro y escucha profunda de Jorge Barco

El 12 Julio, Lucia Mejeant (Ecuador), autora y activista de la lengua Shuar, presentó el libro que ha escrito para resguardar los conocimientos y vida de su madre: “Jeá, Kampuntin, Ája” (Casa, bosque, huerta). Habló de la huerta shuar, el mundo de las mujeres y las plantas, la diosa Nunkui y las injusticias del patriarcado. Conocimientos de coexistencias ancestrales atravesados de contradicciones.

Lucía Mejeant en Kamputin, Jea, Ajá: Casa, Huerta Bosque.

Las actividades continúan desde el 6 de Septiembre y en colaboración con la Cinemateca Nacional del Ecuador, las artistas Annie Sprinkle and Beth Stephens (EEUU), nos inician al activismo ecosexual a través de su película “Water Makes Us Wet” y una colección bodas con los no-humanos. Luego de la proyección se generará un foro de preguntas y respuestas con el curador, Pedro Soler.

En Octubre la filósofa y activista Tatiana Avendaño (Colombia) y la artista y bailarina Aniara Rodado (Colombia) ofrecerán un taller sobre coreografías vegetales, cuerpo antena y otros trabajos y experimentos que buscan extender las capacidades de percepción y relación más allá del humano, además de compartir con el público sus mejores recetas de pócimas y prácticas. Y finalmente, para el cierre de la exhibición, se espera la visita de Quimera Rosa y la realización de un taller y performance sobre devenires no-humanos.

Tal como plantea Pedro Soler en el texto de inicio, Humano, Demasiado Humano es una exposición y un programa de actividades que te invitan a perder la cabeza, a dejar de pensar de una forma humana, individual y racional, para dar cabida a formas de habitar en común con otras especies. Las problemáticas globales no se detienen, y desde el arte contemporáneo se seguirán generando estas preguntas y procesos que reflexionen sobre la posibilidad de construir un devenir en común. Frente a esto, todos los museos y espacios culturales deben estar comprometidos y tener una postura consciente de apostar por un programa crítico y sensible con el entorno.

Nos encontramos ante la sexta y más rápida extinción masiva de la historia.

¿Nos es posible quitar la cabeza y pensar en modelos resilientes e interdependientes?

#PAROGLOBALINDEFINIDO

La exhibición y su programa de actividades se planeó para que habite el Centro de Arte Contemporáneo (Montevideo y Luis Dávila, Quito, Ecuador) hasta el 29 de octubre del 2023.


[1] Día de la Sobrecapacidad de la Tierra. WWF

[2] Yayo Herrero en Ecofeminismos para un nuevo modelo de desarrollo 2022

[3] Antropología de la naturaleza y Construyendo naturalezas. Ecología simbólica y práctica social, Philippe Descola 2001 y 2002

[4] Eric Hobsbawn en La era del Imperio 1875-1914

[5] Texto corto de inicio de la exposición Humano Demasiado Humano en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito

[6] Timothy Morton – Humankind : Solidarity with Nonhuman People – Verso (2017)

[7] Cita de Nietzsche en la entrada a las salas de exhibición de la exposición Humano, Demasiado Humano en el Centro de Arte Contemporáneo de Quito

[8] Victor Vich en Sobre el control del tiempo 2022

Publicado por Edu en Cultura, Exposiciones, 0 comentarios
Everything is a Remix 2020

Everything is a Remix 2020

Diálogos de Interculturalidad: 8, 9 y 10 de diciembre 2020

Everything is a Remix es un encuentro anual que explora la Interculturalidad y el Remix en el campo expandido de la cultura a través de conversatorios, exhibiciones y presentaciones en vivo. En el 2020, el enfoque abraza la gestión cultural y la comunicación.

Durante el 2020, Everything is a Remix sucedió en formato virtual. A continuación puedes revisar el desarrollo del encuentro ingresando a los links:

Día 1: Diálogos desde la creación y comunicación audiovisual.

Día 2: Diálogos desde el arte

Día 3: Diálogos desde las casas de gestión cultural y creación colectiva

EIAR 2020

Formato de los diálogos

Para la edición 2020, los diálogos se realizarán de forma virtual, a través de la plataforma ZOOM durante los días 8, 9 y 10 de diciembre. A partir de las 11h00 (GMT-5) cada día tendrá cabida un diálogo, con una duración aproximada de 1h30min.

Una persona invitada será la encargada de moderar el diálogo durante toda la actividad. Los primeros 20min estarán destinados a conocer de forma general los cuatro proyectos participantes, los 60min siguientes estarán enfocados a responder cuestiones planteadas por la moderadora del diálogo hacia las participantes. Finalmente, los últimos 20min se abrirá un espacio para preguntas de la audiencia.

Regístrate gratis en el siguiente enlace: https://forms.gle/fVe6vaLiGSNaNf4g6

Sobre el Remix

Desde la perspectiva de la creación y las prácticas colectivas, vemos que la cultura remix viene a experimentar en el campo de la interculturalidad con múltiples acercamientos, formas relacionarse y organizarse entre personas.

Adoptado por diferentes disciplinas como un cambio en el panorama cultural y creativo, la práctica del remix permite resignificar, expresar y revalorizar el lenguaje y el discurso entre artistas, entre obras, entre lugares y habitantes. En la actualidad, cualquier usuario de la web 2.0 puede compartir información y tomar contenido para llevarlo de un lugar a otro. En la Co-Creación Co-Gestión, en el Crowdsourcing o en el arte colaborativo, el remix abre una real interacción del público con las obras, lo que también pone en discusión los conceptos de autoría y los derechos ligados a ella.

Si llevamos el remix a las formas de gestión y comunicación, vemos que se abren una serie de posibilidades para la sostenibilidad de sus prácticas y estructuras. En este sentido, para que la cultura libre remix cumpla realmente su papel, debe demandar mayor libertad para el intercambio de información y de los procesos de creación, en la medida en que estos, permitan reconocer diferencias y adoptarlos como elementos que construyen el diálogo sostenible entre iguales.

Panelistas Invitadxs

Martes 8.dic | 11h00 Diálogos desde la creación y comunicación audiovisual.

Rupai Producciones
Coop Docs
Transcinema Festival de Cine (Lima, Perú)
Modera: Tania Navarrete

eiar2020 panel 1

Miércoles 9.dic | 11h00 Diálogos desde el arte.

Proyecto Galaxxia (ESP)
Proyecto Camminus
Mz14
Chawpi Laboratorio de Creación
Modera: Pedro Soler

eiar2020 panel 2

Jueves 10.dic | 11h00 Diálogos desde las casas de gestión cultural y creación colectiva.

Platohedro
El Útero
Nina Shunku
Artist In Residence
Modera: Pao De La Vega

eiar2020 panel 3

Regístrate gratis en el siguiente enlace para acceder a toda la programación: https://forms.gle/fVe6vaLiGSNaNf4g6

La cultura divide la ciudad, separa generaciones, ideologías y subjetividades, pero también las une. La cultura nos localiza, define los límites de inclusión y exclusión, forma parte de un proceso de negociación y deseos.

Desde una perspectiva regional la cultura pareciera homogénea, sin embargo podemos notar que, en la escala más pequeña, esta se fragmenta en territorios en disputa, en espacios híbridos, en comunidades cambiantes, y muchas veces en sistemas que se contradicen.

Cuál es el sentido -para coleccionistas, instituciones y gobiernos- de invertir en arte y cultura, es decir, cuál es el posible significado de una idea de inversión aplicada a un bien que literalmente no se consume en su uso, sino que es precisamente en su uso dónde acontece y se multiplica. (Octavi Comerón, 2011)

Sobre la Interculturalidad

Partimos del proceso constante de respeto sobre la diversidad y reconocimiento del valor propio y del otrx.
En el momento actual, podemos afirmar que las culturas se hacen y crean, a partir de elementos pre existentes (valores, normas, restricciones, símbolos, idiomas, lenguajes y/o tecnologías) que permiten su proceso. Ej: el lenguaje

Planteada como principio fundamental en la Constitución de la República del Ecuador, y como uno de los pilares para el desarrollo en los planes de Gobiernos Locales, la interculturalidad se puede entender como el proceso constante de individuos y colectivos, por el reconocimiento de las diferencias culturales, y de respeto a la diversidad. Tomando en cuenta que, es importante fomentar y fortalecer la interculturalidad a nivel global como un elemento que propicia el respeto y el diálogo horizontal entre todas las personas. Y que el progreso de una cultura está ligada a la remezcla de elementos pre existentes de otras culturas.

Cuestiones que nos reúnen

Copiar -transformar- combinar >> para generar contenidos nuevos.
El Remix propicia la participación en >> la creación y recreación de la cultura.
El progreso de una cultura está ligada a >> la remezcla.
El Problema del Remix >> la propiedad exclusiva >> tensiona la creación y producción.
Desde el punto de vista artístico el remix puede llevarse a cabo si existen dos capas que lo activan:
>> La investigación, introduciendo en la cultura elementos que no existían. >> La comunicación del valor cultural introducido.

¿Qué formas/elementos de gestión y comunicación propician la interculturalidad? ¿Proximidad? ¿Colaboración? ¿Qué cambió en la Participación después de la pandemia? ¿Nuevas formas de programación/creación? Investigación?

Participa de los diálogos del Everything is a Remix a través del siguiente enlace:
https://forms.gle/fVe6vaLiGSNaNf4g6

Colaboradorxs:

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, Proyectos
Everything is a Remix 2019

Everything is a Remix 2019

Un ejercicio de interculturalidad.

A principios del mes de octubre, empecé a imaginar la segunda edición del “Everything is a Remix”, un encuentro donde diferentes proyectos artísticos y culturales con los que he sentido una gran conexión durante el año -como resultado de diferentes actividades propuestas, recomendaciones o simplemente al cruzarme con su presencia en las redes de La Experimental EC- puedan habitar un mismo espacio, conocerse y reconocerse, generar diálogos con la gente, pensar en nuevas dinámicas de colaboración entre ellas y exponer públicamente sus procesos creativos. Durante esos días, también asistía a un seminario sobre Derechos Culturales desde el enfoque de los Derechos Humanos en la Universidad Andina Simón Bolívar en Quito y al mismo tiempo, se anunciaba un paro nacional producto de la violencia con la que actuó el Estado, anunciando el decreto 883 donde se presionaba a lxs ecuatorianxs a obedecer las medidas recetadas por el Fondo Monetario Internacional sin comprender el impacto de aquellas medidas en las comunidades más pobres. 

¿Quién pone el cuerpo?
Stills para EIAR 2019. Archivo: Mateo Barriga y Daniela Moreno Wray

Llegado el miércoles 2/oct, se cumplía el tercer día de seminario. Eduardo Puente Hernández era uno de los docentes del mismo, mientras intervenía, desmenuzaba cada párrafo de forma que se entienda el trasfondo de su existencia en la ley. Yo, pensaba en la gran brecha de conocimiento que existe en lxs profesionales del sector cultural y creativo con respecto al entendimiento de las leyes y el ejercicio pleno de nuestros derechos culturales. Mientras tanto, la palabra Interculturalidad se escuchaba a cada momento al analizar la Constitución de la República y las Leyes Orgánicas de la Función Judicial. ¿Por qué se mencionaba tanto sobre la interculturalidad, cuál era su alcance, cómo se aplica, quién la reconoce? y si se muestra tan importante: qué clase de dinámicas se podrían generar y cuál es su relación con mis prácticas habituales?

¿Quién pone el cuerpo?
Stills para EIAR 2019. Archivo: Mateo Barriga y Daniela Moreno Wray

Al día siguiente, el seminario se suspendió. El jueves 3/oct se llevó a cabo el inicio de uno de los levantamientos más importantes en latinoamérica -y en mi vida- en contra de la desigualdad. Duró 12 días. Todxs conocemos los acontecimientos por diferentes medios y sus resultados a nivel global. Pero, cómo se llegó hasta este punto de conflicto tan intenso donde muchísimas personas no corrimos con suerte frente a la violenta represión policial y militar. Más allá, de buscar culpables -aunque sabemos claramente quiénes son los beneficiarios de la desigualdad- mi intención era entender el por qué de todo esto y el saber qué pensaban otras personas, sabiendo que tenemos una de las Constituciones más completas y más diversas del mundo, donde se manifiesta la interculturalidad como principio fundamental para garantizar el respeto a los derechos humanos sobre cualquier ley. En ese momento, me planteé la necesidad de repensar la interculturalidad desde la perspectiva de mis prácticas habituales (gestión, sustentabilidad, economías alternativas) y desde aquellas con las que me relaciono directamente (arte/cultura/procesos creativos). Al mismo tiempo, había divisado un espacio que no lo había explorado antes y que consideraba necesario que sea repensado y criticado, desde diferentes puntos de vista, desde las prácticas del remix.

Planteada como principio fundamental en la Constitución de la República del Ecuador, y entendiendo la interculturalidad como el proceso que hace una persona o colectivo para comprender la realidad, reconocer las diferencias de las demás y reflejarlas en sí mismas como potencialidades, en condiciones de igualdad y respeto. La Interculturalidad se manifiesta en absolutamente todas nuestras leyes máximas, y su importancia radica en fomentar y fortalecer los diferentes procesos de diálogo en las regiones como un elemento que propicia el respeto y la comunicación horizontal entre todas las personas. 

Trazando un puente con el encuentro, observamos que la cultura remix viene a experimentar en el campo de la interculturalidad con múltiples acercamientos y formas relacionarse entre personas, espacios, lenguajes y ambientes. Adoptada por diferentes disciplinas como un cambio en el panorama cultural y creativo, la práctica del remix permite resignificar, expresar y revaloriza el lenguaje y el discurso entre artistas, entre obras, entre lugares y habitantes. En la actualidad, cualquier usuario de la web 2.0 puede compartir información y tomar contenido para llevarlo de un lugar a otro. En la Co-Creación, en el Crowdsourcing o en el arte colaborativo, el remix abre una real interacción del público con las obras, lo que también pone en discusión los conceptos de autoría y los derechos ligados ella. En este sentido, para que la cultura libre -remix- cumpla realmente su papel, demanda constantemente mayor libertad para el intercambio de información y de los procesos de creación, en la medida en que estos, permitan reconocer diferencias y adoptarlos como elementos que construyen el diálogo entre iguales. 

Consideramos que debíamos empezar por todo lo anterior expuesto porque nos interesa comunicar y entender las bases de lo que representa la segunda edición del Everything is a remix. Y porque luego de todos los acontecimientos, nos resultaba complejo proponer un encuentro de diferentes proyectos que desnuden sus procesos creativos ante el público y se reconozca la existencia o ausencia de procesos de interculturalidad. Más allá de proponer una actividad donde se ponga sobre una vitrina a los proyectos que amamos, la intención era experimentar con estos proyectos, abrir espacios de crítica y diálogo colectivos, y de repensar las relaciones que tenemos con la diversidad y cómo la integramos en nuestras propias creaciones.

eiar 2019 back
eair 2019 front

Everything is a Remix 2019 son diálogos de Interculturalidad. A través de paneles, networking, muestras artísticas y presentaciones musicales en vivo buscamos abordar la interculturalidad desde las perspectivas de las prácticas artísticas y los procesos creativos con enfoque sustentable.

Dirigido a: artistas multidisciplinares, músicos, gestores culturales, comunicadores, programadores de festivales, sellos, colectivos, museos, teatros, venues, productores, managers, estudiantes, universidades, sociedades de gestión colectiva, marcas, entidades públicas y privadas que buscan circulación, promoción, difusión, generar acuerdos y colaboraciones con el sector cultural y creativo, tanto en el ámbito comercial como intercultural.

Everything is a Remix 2019 sucedió gracias a la gestión de La Experimental EC y la colaboración de Cerveza Caran, Nuna Hostel, Andean Agave, MIIM – Mercado Internacional de la Industria Musical y TOLA

panel 2
eair 2019 Sofía fuentes, Inti Quimbo
panel 2
eair 2019 público
panel 2
eair 2019 Vanessa Alarcón, María Luz Calisto, María José Andrade

PROGRAMACIÓN

La programación se construyó en base al siguiente esquema:

Paneles. Planteados como actividades que propician el intercambio de conocimientos y el diálogo horizontal entre panelistas y el público. Para la segunda edición se plantearon dos paneles. 1.Diálogos de Interculturalidad en las prácticas artísticas con la intervención de Hannah Benson, Daniel Lofredo Rota, Daniela Moreno Wray, Francisco Palacios y Pedro Soler. 2. Diálogos de interculturalidad en los procesos creativos con enfoque sustentable, con la intervención de Vanessa Alarcón, María Luz Calisto, Andrea Bonilla, Inti Quimbo, María José Andrade y Sofía Fuentes.

panel 2
eiar 2019 María José Andrade. HAKHU Amazon Design
panel 2
eiar 2019 público

¿Cuáles son esos procesos de interculturalidad qué atraviesan las prácticas de nuestrxs invitadxs? ¿Cómo dialogan lxs artistas con las diferencias y cómo las incorporan en sus creaciones? El primer panel del encuentro abordó las diferentes perspectivas de Daniel Lofredo Rota, Francisco Palacios, Hannah Benson, Daniela Moreno Wray, Pedro Soler y del público. El diálogo se enfocó en repensar las diferentes relaciones con la diversidad cultural y cómo se incorpora esa diversidad en los procesos creativos de remix.

panel 1
eiar 2019 Daniela Moreno Wray
panel 1
eair 2019 Pedro Soler, Daniel Lofredo Rota, Francisco Palacios, Hannah Benson

En el segundo panel del encuentro Maria Luz Calisto Inti Quimbo Vanessa Alarcon Allpamamas Andrea Bonilla Almawa María José Andrade HAKHU Amazon Design y Sofy Fuentes nos contaron cómo sus proyectos construyen relaciones horizontales con la diferencia. La complejidad de la interculturalidad hace que los procesos creativos se repiensen constantemente, de forma que en su alcance reconozcan conscientemente un real sentido comunitario. Desde una perspectiva crítica, independiente, institucional y académica pusieron al frente logros, dificultades y contradicciones que han encontrado en la construcción de la sostenibilidad de estos procesos. 

Panel 2
eair 2019 Vanessa Alarcón, María Luz Calisto, María José Andrade.
panel 2
eiar 2019 Sofia fuentes, Inti Quimbo, Andrea Bonilla

Everything is a Remix se planteó siempre como un ejercicio de Interculturalidad, un encuentro incompleto, con múltiples perspectivas por entender y repensar. Desde La Experimental EC se pensó siempre en una selección integral que abarque una globalidad de puntos de vista, pero al mismo tiempo, y de forma crítica, se pensó en la complejidad de lograr entender la interculturalidad solamente desde las perspectivas de lxs invitadxs. También fue muy gustoso conocer el pensamiento del público en relación a los proyectos y sus diálogos con la diferencia. Se debatieron diversas perspectivas en torno a los derechos de autor, al respeto a las personas/comunidades, sus saberes y sus experiencias, la folklorización y la cultura vista como un producto. La precarización laboral y el comercio justo, la sostenibilidad y el consumo consciente. Sin duda, temas súper amplios por debatir en muy corto tiempo de actividad.

panel 2
eiar 2019 Público: Daqui Lema
panel 2
eiar 2019 público
panel 1
eiar 2019 Ronny Albuja
panel 1
eiar 2019 público

Muestra colectiva. En nuestro deseo de crear una atmósfera de remix visual y sonora que acompañe todo el encuentro y pueda dialogar con las diferentes actividades, invitamos a lxs artistas Ronny Albuja Destllo.rawFrida Muenala, Daniela Moreno Wray, Mateo Barriga y Pedro Soler. La Experimental EC siempre busca trabajar la colaboración entre proyectos, y para Everything is a Remix 2019 queríamos proponer una obra conjunta que reflexione sobre la interculturalidad y el remix.

Quién pone el cuerpo? Es una movilización popular, festiva y combativa, que se construye de imágenes de archivo de bailes y levantamientos, con imágenes en vivo; remixeados, randomizados, invocados. Interculturalidad como acción, inter-acción, construcción en tiempo real, la presencia, la colectividad. La cuestión central deviene: Quién pone el cuerpo?

La muestra propuesta fue un experimento y fue puesta en escena parcialmente por primera vez, con algunos inconvenientes y con mucha ansiedad por saber su resultado final y esperado. Durante el montaje nos replanteamos muchas cosas, la comunicación y la experimentación como elementos importantes en la construcción de nuestros objetivos. No como un resultado fallido, si no como el inicio de un proceso complejo. Interculturalidad. ¿Quién pone el cuerpo?

La muestra colectiva está pensada para ser construida y exhibida en otros espacios y tiempos. Hablaré de esto pronto…

¿Quién pone el cuerpo?
Stills para EIAR 2019. Archivo: Mateo Barriga y Daniela Moreno Wray

Conciertos/Live Shows/Fiesta. La cercanía con los procesos de experimentación sonora y creación visual y musical, la promoción y visibilización de una selección de propuestas han sido siempre los intereses de La Experimental EC. La idea de conectar en el encuentro: conciertos o presentaciones en vivo de artistas audiovisuales y productores musicales, las formas de generar diálogos a través de la música con el público, las múltiples sensaciones y placeres que se transmiten al danzar en libertad y seguridad, también las identificamos como procesos de interculturalidad. En este sentido, para la segunda edición de Everything is a Remix pudimos contar con las presentaciones en vivo de Linda Pichamba, Pataconfunk, Quixosis, Hannah Lee y Kaifo.

live
eiar 2019 Linda Pichamba

Había escuchado a Linda Pichamba por primera vez con el ensamble Juyungo de Chopan Thermes en el 2018. Había seguido su activismo y su discurso de revalorización de la cultura Kichwa. Tenerla en la segunda edición de «Everything is a Remix» aunque solamente por 30min (estoy en deuda), fue un lujo. El público que pudo tenerla tan cerca podrá contarlo mejor que yo.

live
eair 2019 pataconfunk
live

eair 2019 pataconfunk

Siento tristemente que, la escena musical en formato banda en Ibarra, cada vez se muestra más ausente. El otro día conversábamos con Chari que las producciones de eventos con formato djs han sido una de las causas de su desaparición. Tal vez nostrxs como productorxs o el público ha mutado hacia nuevos hábitos de consumo cultural. Sin embargo, también siento que, independientemente del fomato, cuando se percibe una energía de colectividad la música trasciende y atraviesa diferentes procesos increíbles, eso descubrí con Pataconfunk. Nunca había los había escuchado en vivo antes. Por intuición, había adelantado que sería una presentación muy interesante, pero quedé sorprendido de la solidez en ejecución y en la fusión de diferentes ritmos, así como la conexión de ellxs con la atmósfera del evento. Sin duda, una de las mejores bandas de world music/fusión que he escuchado.

live
eiar 2019 Hannah Lee

Hannah Lee es brillante. Más allá de ser una crack colaborando en el sello internacional ZZK Records, su calidez y su activismo hacen de ella una fusión de experiencias que se plasman en su djset como un viaje intercultural.

live
eiar 2019 Quixosis
live
eair 2019 Quixosis. Fotografía del archivo de Deysi Marina

Daniel es Quixosis, conocerlo personalmente me hace entender sus creaciones. Su live es una exploración por la memoria musical ecuatoriana y una fusión experimental, casi natural y sin estereotipos de su identidad latinoamericana. Hay muchísimos artículos sobre él y su trayectoria que valen la pena investigarlos. Genio!

live
eair 2019 kaifo

Kaifo llegó a mi por recomendaciones de gente que aprecio muchísimo. Estoy seguro que su live cerrando el encuentro nos dejó con una gran felicidad y satisfacción colectiva. Kaifo es un productor e investigador de ritmos nato. La posibilidad de conversar con él a nivel profesional, y dialogar diferentes posibilidades -mientras yo experimentaba una ansiedad previa al inicio de las presentaciones en vivo- creo que fueron experiencias que condujeron su presentación a un cierre fantástico.

live
eair 2019 dance floor
eiar
eiar 2019

Agradecimientos especiales a Andrés, Toño, Xavier, Norberto, Jorge, Rosalía y Samir por creer y confiar en La Experimental EC. A Sofi Veloz por todo el acompañamiento en la coordinación del evento. A Adrián por ser familia siempre y Fernando por lograrlo tan bien en el sonido. A Manolo por la buena onda y permitirnos hacer huecos en las paredes de su local. A todas las panelistas por sus aportes valiosos. A lxs artistas que experimentaron una responsabilidad colectiva y crearon una obra hermosa. A lxs músicxs por hacernos viajar y bailar. Y al genial público que entendió la necesidad de estos espacios de encuentro.

Pd.: todavía me da ansiedad todo esto

::: Everything is a Remix :::

Registro Fotográfico utilizado:

Peter Flick

Esteban Brboric

Deysi Marina

Daniela Moreno Wray

Eduardo Vaca

Inti Quimbo

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, Proyectos, 0 comentarios
Páramo Somos Agua

Páramo Somos Agua

#PáramoSomosAgua es la idea de la artista y activista Mishell Naranjo que se materializa en un programa cultural de tres días desarrollado junto a TOLA Arte y Cultura y OMASNE para celebrar el día mundial del agua en la ciudad de Ibarra. Un programa que se realizó con la intención de visibilizar la importancia de los ecosistemas del páramo como parte fundamental para la construcción del campo y la ciudad de las regiones andinas. La programación integraba un foro internacional, una proyección cinematográfica + conversatorio, y una exposición artística en una de las salas del Centro Cultural El Cuartel. Todos los procesos de producción, comunicación, comisariado, curadoría y montaje fueron realizados por Francisco Palacios, Mishell Naranjo, Eduardo Vaca y Paúl Palacios, miembros de TOLA Arte y Cultura.

 

Cartel Páramo Somos Agua

Durante el primer día, tuvo lugar el foro internacional que contó con la participación de integrantes de Andean Bear Foundation, Cabildo Comuna La Esperanza – Tufiño, Federación Regional de Comunidades Campensinas y Nativas de Junín – Perú, Minga Juvenil Nariño – Colombia, Observatorio Minero Ambiental y Social del Norte de Ecuador (OMASNE), y  Colectivo Artístico Sindicato. El foro se realizó durante tres horas y recogió los diferentes puntos de vista que, desde los emprendimientos sociales y comunitarios, pasando por la caracterización de la fauna, la identidad de las comunidades alrededor de los páramos, la importancia y relación de lo femenino con la naturaleza, los riesgos de la megaminería y las luchas por la conservación de estos ecosistemas, demostraban el compromiso colectivo de respetar la vida y de mantener una armonía en convivencia común con la naturaleza sin alterarla.

El segundo día tuvo lugar la proyección de dos obras cinematográficas que complementaban el foro sucedido el día anterior. “Hugo Territorio Rebelde”, fue la primera proyección de la tarde que se sintió como una bofetada en lxs  asistentes buscando su reacción. Del director quiteño Pocho Álvarez, este increíble documental nos cuenta la resistencia del territorio de Intag ante la ocupación de CODELCO, su afectación en la cotidianeidad de la gente, en el color del agua de sus ríos, cascadas, bosques y fauna, y en los diálogos de las comunidades. “Hija de la Laguna” del director Ernesto Cabellos fue la segunda obra que se proyectó durante este evento. Esta última, es un documental que nos muestra la mirada de la población peruana de Cajamarca y su conexión espiritual con la laguna, quienes liderados por un personaje femenino, ejercen su resistencia ante el desalojo provocado por la ocupación minera.

Proyecciones día 2 Páramos Somo Agua

 

Exposición Páramo Somos Agua. Centro Cultural El Cuartel

 

Proyección. Exposición Páramo Somos Agua

 

Daniela Santacruz, artista Páramo Somos Agua

Con estos dos eventos precedentes, el sábado 24 de marzo se realizó la inauguración de la exposición artística que reunió la mirada de cinco artistas: Daniela Santacruz, Michelle Rubio, Juan Carlos Gonzáles, Braulio Gutiérrez y Eduardo Obando. Quienes lograron captar la atención de lxs asistentes a través de diferentes obras en formato fotografía, dibujo, pintura, collage e instalación visual y sonora. La muestra estuvo expuesta por un mes y tuvo la visita de mucha gente de museos y colectivos que realizan acciones artísticas y medioambientales.

Mishell Naranjo y Artistas en la Inauguración de la muestra

Obras de Michelle Rubio, artista Páramo Somos Agua

#PáramoSomosAgua propone una visión holística de lo que han sido y significan en la actualidad estos hermosos territorios, considerados como una esponja natural para el planeta. Todo el programa presentado por TOLA tenía la intención de ser una práctica experimental de resistencia encaminada a desenmascarar lo que está sucediendo con varios de estos territorios ya concesionados a la práctica extractivista de la megaminería, donde los actores principales son empresas extranjeras que han visto la puerta abierta en el país, luego de la consulta popular de Febrero de 2018 por mandato de Lenín Moreno.

#PáramoSomosAgua pudo itinerar su mensaje en otros espacios. La ciudad de Quito acogió esta muestra en el barrio de la Floresta en La Huerta y La Máquina, Universidad Andina Simón Bolívar y próximamente estará en el Museo del Agua YAKU

Páramo Somos Agua es una crítica a las prácticas destructivas capitalistas y una visibilización del humano y su relación con la complejidad de este mundo; es también, un ejercicio de resistencia como agentes culturales frente a algunos grupos de poder que, con su invisible colaboración y sin tomar postura en temas de conciencia ambiental (teniendo la competencia de hacerlo), justifican su escasa gestión y su deficiente visión de ciudad, para seguir aferrados a sus puestos incrementando el gasto público a su conveniencia.

#PáramoSomosAgua es una muestra que intenta despertar desde el arte, la conciencia crítica de la ciudadanía. El equipo agradece a todxs los pequeños emprendimientos que se involucraron de forma auténtica en el proceso.

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, Proyectos, 0 comentarios
Sillón del Común

Sillón del Común

#SillóndelComún es una instalación móvil en la calle desarrollado por el equipo de Tola Centro de Arte. Es una obra que experimenta nuevas formas de relacionarnos en el espacio público a través de la replicación de un espacio de comodidad de una casa. La idea de trasladar la comodidad del hogar al espacio público, pretende irrumpir en la idiosincrasia de los habitantes de Ibarra, quienes conciben el espacio público como un espacio ajeno, incómodo, censurado, peligroso e inadecuado para su uso y goce cotidiano.

La instalación se presentó dentro de un festival de arte en las calles, y se materializó con la localización de un sofá acompañado de una alfombra de papel en la intersección de las calles Flores y Bolívar en el centro histórico de la ciudad. El papel, convertido en alfombra, en lienzo y en texto efímero, invitó a las personas a interactuar con la obra, a tomar asiento, a sentirse cómodas y a pensar en nuevas formas de convivir en el espacio común.

dos y medio Tolas, Ibarra.

 

Sala 1, Ibarra

El proceso nunca dejó de ser un experimento, una constante observación crítica, de los materiales, del espacio y de los actores que curiosos y temerosos se acercaban. Colocar ruedas a un sillón y recorrer el centro de Ibarra sin tener idea de una ubicación, atravesar veredas angostas y calles con poca fluidez peatonal no fue tan fácil, se presentaron algunos percances. Corregir y continuar nuestro camino, probar nuestro espacio de comodidad frente al edificio municipal, cambiar una, dos y tres veces de lugar hasta encontrar más comodidad era parte del proceso. Mientras oscurecía, un texto escrito en ese instante, dentro de esa misma atmósfera experimental, decoró la «alfombra» de papel acompañado de cuatro pequeñas farolas de papel. Ambos elementos, texto y farolas, intentaban coquetear con la temporalidad de nuestras acciones en los bloques que conforman la calle. ¿Es que acaso estas acciones deberían permanecer más tiempo en el espacio público?

Sala 2, Ibarra

Algunas personas interactuaron con la instalación, se sentaron y experimentaron (quizás por primera vez) lo inusual de ocupar el espacio público para sentirse diferentes haciendo algo distinto a lo cotidiano. Muchas otras, se acercaron a comentar con nosotrxs, de lo cual surgieron varias cuestiones: ¿esto es arte?, ¿qué significa?, ¿es legítima esta apropiación del espacio?, ¿a quién le pertenece el espacio público?, ¿por qué la necesidad de visibilizar este tema?, Qué bonito! ¿y esto organiza el municipio?…en estas y otras preguntas se manifestó la necesidad de repensar la ciudad desde la ciudadanía; entender que la gente es quien construye la ciudad con sus acciones; entender que en asociación o en colectivo se construyen espacios de convivencia común; entender que (Rowan 2016) la cultura común no aspira al universalismo sino al particularismo radical; que la formalidad y la estandarización de normas discrimina más que unifica; y que a partir de la accesibilidad al arte y la cultura se generan espacios políticos de debate y de crítica sobre nuevas formas de vida en comunidad, y que por ello, somos censuradxs.

Equipo Tola, Ibarra

La comodidad duró cuatro horas…

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, 0 comentarios
A Sonic March

A Sonic March

A Sonic March es el resultado de un laboratorio colectivo de creación sonora, desarrollado en el marco de la exposición «Charivaria» Sonidos en el Espacio Público del Centro Centro Cibeles en Madrid. Además, es una intervención en el espacio público creada a través de sonidos distribuidos por la ciudad, y es un LP que se manifiesta y vibra en diferentes plataformas de geolocalización de audio en código abierto (freesounds, IZI Travel).

Seguir leyendo →

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, 0 comentarios
¿Esto es una exposición?

¿Esto es una exposición?

¿Esto es una exposición? es un proyecto de comisariado de una exposición que realicé para Medialab Prado, junto a Belén Soto y Paloma Gonzáles durante mi estadía en Madrid. El desarrollo del proyecto contempla desde la idea y la selección de obras en el espacio expositivo, atravesando por el diseño de textos y cartelas, el plan de gestión de públicos, esquemas de producción y el presupuesto global para su implementación en el centro. La idea medular de este proyecto consistió en realizar una selección de obras artísticas que reflexionaran sobre el propio concepto de exposición para que sean mostradas en un laboratorio ciudadano de producción, investigación y difusión de proyectos culturales, experimentales y participativos, espacio que por naturaleza, no se permite estas prácticas expositivas asociadas tradicionalmente con museos o galerías, y cuyo modelo de gobernanza y líneas de acción, han sido repensadas constantemente por sus directores.

Seguir leyendo →

Publicado por Edu en Crítica, Cultura, Exposiciones, Proyectos, 0 comentarios